Julio Pliego

JULIO_PLIEGO

Pola Weiss

Hija del ingeniero Leopoldo Weiss y de Emma Álvarez, Pola Weiss Álvarez nace el 3 de mayo de l947 en la colonia Roma de la Ciudad de México, en el seno de una familia de clase media acomodada. Esto le permite a ella y a su hermana Kitzia asistir a las mejores escuelas para señoritas de la época y tener maestros particulares en el área de la música y los idiomas.
Inquieta y creativa, se inclina a muy temprana edad por el arte, mostrando especial interés en la danza y en el canto. A la edad de siete años Pola se enfrenta por vez primera con un monitor... Llegaba a casa de los Weiss la primera televisión y la chiquilla de lindos ojos claros se enamoraría enseguida de aquella "puerta de cristal" -como la llamaría más adelante-. En su adolescencia, Pola se muestra como una muchacha ocurrente y buena conversadora, a la que le fascina el cine y el teatro. Gusta de platicar anécdotas e inventar historias fantásticas a sus familiares, siempre con mucho sentido del humor, manteniendo la atención de todos durante tardes enteras con sus simpáticos relatos. Con su creatividad y sentido del humor característicos, empieza a relacionar cosas con su nombre. Palabras como POLArizado, POLAca, POLAr, POLAnco, POLAnque, etc.

Así, en l967, inventa una colección de sobres amorosos a los que llama POLÁtiles (un tipo de Mail Art). Juego que mantiene con un novio y que consiste en intercambiarse cartas, donde cada una tiene un diseño diferente en cuanto a pintura y creatividad. En l968 ingresa a la Facultad de Ciencias Políticas (POLÁticas) de la Universidad Nacional Autónoma de México, en el área de la Comunicación y el periodismo. En éste mismo año, toma cursos de cinematografía en el Centro de Estudios Cinematográficos y se inicia en la producción televisiva. Su proyecto de tesis no convence a muchos profesores, principalmente a los que descubren que no se trata de un producto escrito como es la norma, sino de un programa piloto de una serie de televisión creativa. Su caso se va al consejo universitario y esto aplaza su graduación hasta l975, año en que se titula con un producto audiovisual, algo insólito según los viejos estatutos universitarios. En sus propias palabras, ella se ha recibido de teleasta. En 1974, realiza "La grapa", un entretenido programa de corte didáctico dirigido a niños; cargado de efectos de video y una visualidad delirante. A principio de l976, funda arTV , su pequeña productora que la acompañara por mucho tiempo. Bajo la firma de arTV salen "Flor Cósmica" (oficialmente su primer trabajo de videoarte de l977), "Ciudad- mujer-ciudad" de l978, "Autovideo" de l979 o "ExoEgo" de l981. Además, de "Palenque y ¿Pola qué?" y de "Las tasas de interés", ambos de l983.
Flor cósmica entra con el pie derecho al ambito artístico y ya para l984 comienza a ser invitada a exponer su trabajo, sobre todo en el extranjero; viaja a Holanda, Italia, Francia, Polonia, Canadá y a los Estados Unidos, donde pronto se relaciona con Name Jung Paike, Shigeko Kubota y Lawrence Ferlingeti, entre otros artistas de la época. En México toma por asalto la Explanada del Auditorio Nacional, la explanada de Ciudad Universitaria y el museo Michoacano de cultura. El Museo de Arte Carrillo Gil la invita a participar en el "IX festival Internacional de Videoarte" donde se codea con los maestros de la imagen electrónica del momento, es invitada a la Bienal de Paris, a la Bienal de Venecia. En Estrasburgo, Alsacia, se da a la tarea de rastrear los orígenes de su apellido y familia; encuentra los nombres de su posible bisabuelo Joseph Theodore Weiss y de una antepasada muerta en l922, su posible tia, bajo el nombre de Anne Marie Weiss. De estas pesquisas surge el video: "Videorigen de Weiss".
A su regreso y adentrada en la docencia, se sumerge de lleno en las aulas y se dedica a dar cursos y conferencias relacionadas con el video y la televisión; viaja a Argentina, Uruguay, Brasil, Texas, Montreal y Ottawa. En México se disgusta con muchos, básicamente por la cerrazón del medio. La salud de su padre comienza a deteriorarse y esto la deprime mucho, pasa largas temporadas en el hospital junto a su cama. En éste lapso realiza el impresionante video "Mi corazón" en el que vuelca sus sentimientos; en el video aparecen sus tres amores: la ciudad de México poco después de los terremotos de l985, su marido con el que no puede tener hijos y la misma Pola que ha comenzado a alejarse de sí misma y a envejecer.
En "Mi ojo es mi corazón -dice- el ojo que siente, el corazón que ve y viceversa ad infinitum". El museo de Arte Moderno de la Ciudad le da la espalda a esta maravilla visual, más no así el Festival de Montepellier en Francia, lo acogen también otros dos festivales en los Estados Unidos, en España se lleva las palmas.

Estando en Brasil en l987 (ya con mas de 30 piezas en su haber) le comenta al periodista Hector Rivera en el marco del IV Festival Internacional de Cinema, TV e Video de Rió de Janeiro: "Es impresionante el esfuerzo que tiene que hacer una mujer para destacar en cualquier campo en México (...) Soy la única mujer, y mexicana, en el jurado Internacional de video(...) Ahora el videoarte en todo el mundo tiene mucha aceptación. Existen incluso centros dedicados al videoarte, organismos que financian estos trabajos... en México no existe nada de eso, por ello mi existencia se da en el extranjero... En México hace falta mas respeto para un medio que hizo su aparición en el mundo hace más de veinte años... (Revista Proceso # 578, México, noviembre 30, l987)
Todavía habrán dos videos más antes de su tragico final; "Merlín" de l987 e "Inertia" de l989. En este último trabajo, y ya en el ocaso de su vida artística, vuelve a mostrar interés por los símbolos y las raíces de la nación; por las pirámides y los monolitos.
Los años ochenta terminan y su producción artística se ve disminuida con el paso del tiempo. Por razones de incomprensión, falta de apoyo y problemas personales, la video artista ya no produce con la misma alegría y entusiasmo de épocas anteriores. Aún así, termina el documental "Los tapetes de Temoaya" que trata sobre la fabricación de tapetes de dicho lugar y dos programas de la serie política perspectivas, que, además, detestaba.
Su alejamiento de la academia, la muerte de su padre en l989, el distanciamiento con su hermana Kitzia y los constantes problemas con su marido, conducen a Pola a un estado mental crítico, sufre un fuerte ataque maniaco depresivo y esto la lleva a una serie de terapias que al parecer no le funcionan, sino todo lo contrario. Su estado se empeora, se niega a comer, a salir a la calle, a seguir con su vida cotidiana; cancela compromisos, deja de asistir a la universidad... Algo no funciona y no sabe que es.
Pola se ha transformado nuevamente, su vida se ve minada por los juegos del destino, los gurüs de la cultura y las terapias, más los medicamentos, cientos de ellos, que la llevan de la felicidad exorbitante a la depresión absoluta y de ahí a la inmovilidad...Ya ni siquiera responde al teléfono, ni prueba bocado y lo que es peor, no se viste para salir, se la pasa en pijama como una sombra deambulando de un lado a otro de su casa. El mundo le es ajeno.
La mañana del 6 de mayo de l990, a la edad de 42 años y estando ella sola en su casa, Pola Weiss Álvarez, la maestra del pelo rubio y las ideas extravagantes, la novia de Ferlingeti en México, la Venusina Veneciana de zapatones amarillos, la flor cósmica del asfalto, la pionera del video mexicano, claro esta... se quitaba la vida con un arma de fuego, frente al ojo incólume, siempre presente, activo y morboso de una cámara de video.
Los restos de Pola Weiss, descansan en un un panteón de la ciudad de Venecia.

Para conocer la videografía de Pola Weiss visita la página:
http://www.torrevisual.com/pweissvideografia.htm

2.- Videoarte

Videoarquitectura..Algunas videoinstalaciones con multimonitores asumen formas arquitectónicas, como pirámides, portales, columnas, habitaciones, pasadizos, laberintos; sustituyen o simulan suelos o techos, o están implícitas en la arquitectura, simulando elementos constructivos. (Véase Instalación audiovisual)

Videodisco (Videodisk)..Tecnología interactiva asistida por computadora para proporcionar acceso aleatorio de imágenes, incluyendo video fijo y continuo.

Videoescultura..Puede emplear uno o mas monitores y canales, en relación, o no, con otros elementos cuya principal característica formal es la concepción de una obra “cerrada” un conjunto que no depende de la relación con el espacio. Suele considerarse a la artista japonesa Shigeko Kubota como introductora del término Videoescultura para definir este tipo de obra.

Videofonía..Asociación de la telefonía y de la televisión que permite que dos interlocutores puedan verse mutuamente durante su conversación telefónica. El aparato se denomina videófono o visiófono y está compuesto por una cámara y una pantalla de visualización conectados a una línea telefónica.

Videoinstalación..Puede emplear uno o mas monitores y canales, con a utilización o no de otros elementos, cuya principal característica es establecer una relación con el espacio dado, sea un espacio creado o definido especialmente para la instalación. Otras características son la importancia del factor tiempo, que tanto puede estar presente en la propia obra, como relacionado con la idea de recorrido efectuado por el visitante; la interdependencia de diversos elementos y su frecuente carácter multidisciplinar ; y la idea de “puesta en escena”, que puede ser aplicada a menudo a diferentes tipologías. Tiene carácter transitorio o efímero, o sea, la instalación normalmente no esta planteada como obra permanente, sino que es adaptable a cada espacio. Dentro del campo de la videoinstalación se puede diferenciar entre:
instalación en circuito cerrado
instalación multicanal o multimonitor
videoarquitectura
instalaciones con videoproyección, etc.

Videoperformance..Empleo de video como forma de documentación de la performance en vivo (como en las documentaciones performáticas de Walter de María a finales de los sesenta), como parte integrante en la acción sea a través de monitores, cámaras o proyecciones (como en las videoperformance de Nam June Paik y Charlotte Moorman), o como performance videográfica creada específicamente para el medio, tendencia desarrollada a partir de los setenta, como la Telegalería de Gerry Schum, producida en 1970, que invitó a artistas conceptuales y de Land Art para producir videoperformances específicas para la televisión.

Videoproyección..Empiezan a ser utilizadas por los artistas Meter Campus y Bill Viola en la 2ª mitad de los setenta. Sin embargo, es a partir de la 2ª mitad de los ochenta que pasan a ser mas usuales, puesto que en esa época se ha producido el perfeccionamiento de los proyectores de video y su progresivo descenso de coste. Se utiliza también el sistema de retroproyección, que elimina la presencia de los aparatos en el espacio de exhibición de la obra. Las dimensiones de las instalaciones tienden a desplegarse y expandirse en el espacio, llegando a ocupar microentornos. Estas manifestaciones evidencian una tendencia de finales de los ochenta de evadir la imagen limitada al monitor, como un intento de potenciar la idea de inmaterialidad de la obra , al mismo tiempo que subraya las sensaciones vividas por el espectador mediante los efectos impactantes y envolventes de la macroproyección. Una parte considerable de las instalaciones con proyecciones adopta una forma expandida con la utilización de aparatos electrónicos, entrando en el campo de la instalación multimedia. Las instalaciones con videoproyecciones se aproximan también a las instalaciones fílmicas, aunque estas últimas no hayan tenido gran expansión, quedando reducida a un grupo de artistas como Robert Whitman, Edmund Kuppet o Hill Lundberg


El trabajo con el límite entre la ficción y la realidad ha sido una de las vertientes del videoarte mexicano.

Artistas del Videoarte de los 60's en México

Alejandro Jodorowsky
Juan José Gurrola
Julio Pliego
y la pionera ...Pola Weiss

1.- Nuevos Medios y Performance

Una performance es una muestra escénica, muchas veces con un importante factor de improvisación, en que la provocación o el asombro, así como el sentido de la estética, juegan un rol principal.

El término performance se ha difundido en las artes plásticas a partir de la expresión inglesa performance art con el significado de arte en vivo. Está ligado al arte conceptual, a los happenings, al movimiento artístico fluxus events y al body art. La palabra performance comenzó a ser utilizada especialmente para definir ciertas manifestaciones artísticas a finales de los años sesenta. Este medio artístico tuvo su auge durante los años setenta.

La historia del "performance art" empieza a principios del siglo XX, con las acciones en vivo de artistas de movimientos vanguardistas. Creadores ligados al futurismo, al constructivismo, al dadaísmo y al surrealismo, realizaban por ejemplo las exhibiciones no convencionales en el Cabaret Voltaire. Entre estos artistas se destaca la participación de Richard Huelsenbeck y Tristan Tzara.

El arte de la performance es aquél en el que el trabajo lo constituyen las acciones de un individuo o un grupo, en un lugar determinado y durante un tiempo concreto.
La Performance o acción artística puede ocurrir en cualquier lugar, iniciarse en cualquier momento y puede tener cualquier duración.
Una "acción artística" es cualquier situación que involucre cuatro elementos básicos: tiempo, espacio, el cuerpo del artista y una relación entre este y el público. El performance se opone a la pintura o la escultura, ya que no es el objeto sino el sujeto el elemento constitutivo de la obra artística.
La performance tiene parentescas con la acción poética, la intermedia, la poesía visual y otras expresiones del arte contemporáneo. Algunos llaman a tales expresiones (idénticas o muy similares a la performance): live art, action art, intervenciones y manoeuvres.
El sniggling es una forma activista y engañosa de performance art en público, que típicamente se desarrolla de modo que los espectadores inicialmente no se dan cuenta de que se está ejecutando una performance.
En el arte contemporáneo, nos referimos a acción poética cuando distinguimos una performance de una acción basada en el sentido poético del arte, la literatura o la cultura.


Videoperformance:
Empleo de video como forma de documentación de la performance en vivo (como en las documentaciones performáticas de Walter de María a finales de los sesenta), como parte integrante en la acción sea a través de monitores, cámaras o proyecciones (como en las videoperformance de Nam June Paik y Charlotte Moorman), o como performance videográfica creada específicamente para el medio, tendencia desarrollada a partir de los setenta, como la Telegalería de Gerry Schum, producida en 1970, que invitó a artistas conceptuales y de Land Art para producir videoperformances específicas para la televisión.

Si quieres conocer mas de la historia del performance en México te referimos a este sitio:
http://performancelogia.blogspot.com/

Artistas del performance en México entre los 60's y 70's:

Los éfimeros pánicos
Fernando Arrabal
Roland Topar
Juan José Gurrola
Felipe Ehrenberg
Jose Luis Cuevas
Carlos Fink
Jose Antonio Hernández Amezcua
Victor Muñoz

La temática de las acciones realizadas a fines de los 60's y 70's estaban fuertemente marcadas por el contexto de una lucha por la libertad de expresón, contra el autoritarismo y por reivindicaciones democráticas.



Maris Bustamante, una exponente del performance en México

Televisión mexicana

Guillermo González Camarena
(Guadalajara, 1917 - Puebla, 1965) Ingeniero mexicano que fue pionero de la televisión mexicana e inventor de tres sistemas de televisión en color. Guillermo González Camarena realizó sus estudios de ingeniería en el Instituto Nacional Politécnico, en México D. F, y cursó la especialidad de electrónica.
En 1935 comenzó sus investigaciones sobre la televisión, que ya había sido experimentada con éxito en Berlín en 1931 por Von Ardene y Loewe, aunque esto no impidió que sus amigos y familiares pusieran en duda su salud mental, pues ese experimento no era conocido para el gran público. González Camarena, además, construía sus cámaras con materiales de deshecho.
Guillermo González Camarena
En 1940 patentó su sistema para transmitir en color, pese a que aún no lo había experimentado en la práctica. En 1945 realizó las primeras transmisiones de televisión en el cine Alameda, y logró que se le concediera un canal propio, el Canal 5. El equipo transmisor, construido con un pequeño equipo de colaboradores, se instaló en una pequeña oficina de un edificio céntrico de la capital, el de Seguros México. Tenía únicamente tenía dos receptores, situados uno en la Liga Mexicana de Radio Experimentadores y otro en la estación XEW.
Su empresa distaba mucho de ser comercialmente competitiva, de forma que se integró en la empresa Telesistema Mexicano, y González Camarena pasó a ocuparse de las investigaciones sobre la transmisión de la señal en color. Su sentido patriótico le llevó a rechazar una importante inversión económica procedente de los Estados unidos, deseoso de que los mexicanos disfrutaran de la patente de su invento.
En 1963 realizó la primera transmisión con su sistema cromático, lo que le dio gran renombre. Los primeros éxitos internacionales los obtuvo durante la retransmisión de las Olimpiadas de Japón en 1964.

Estridentismo

El Estridentismo es un movimiento artístico interdisciplinario que se inició el 31 de diciembre de 1921 en la ciudad de México, tras el lanzamiento del manifiesto Actual Nº1 por el poeta Manuel Maples Arce. A él se sumaron Arqueles Vela, Germán List Arzubide, Salvador Gallardo, Germán Cueto, Ramón Alva de la Canal y Leopoldo Méndez, quienes constituirían el grupo estridentista, propiamente dicho. En 1925, la mayoría de ellos se establece en Xalapa, donde realizan una gran labor editorial, cultural y educativa bajo los auspicios del gobernador de Veracruz Heriberto Jara, hasta que éste fue depuesto y el grupo se disolvió, en 1927. Cada uno continuó produciendo obras por separado, y es así como encontramos autores produciendo aún en los años 1980 y años 1990 del siglo XX.
Los artistas estridentistas conjugaban el aspecto moderno del futurismo, con la irreverencia Dadá, aunque también trataron de obtener una simbiosis entre todas las tendencias de la vanguardia. Entre sus revistas se cuentan Ser (1922), Irradiador (1923), Semáforo (1924) y Horizonte (1926-1927).
El manifiesto encuentra eco en varios jóvenes intelectuales que pronto se comunican con Maples Arce. De esto se forma el grupo estridentista. Los integrantes son: Germán List Arzubide, Arqueles Vela, Luis Quintanilla—quien toma el nom de plume “Kin Taniya,” Salvador Gallardo, Miguel Aguillón Guzmán, Francisco Orozco Muñoz, Salvador Novo y Humberto Rivas. El movimiento también tuvo sus seguidores de las artes plásticas y visuales como Ramón Alva de la Canal, Leopoldo Méndez, Fermín Revueltas, Diego Rivera, Germán Cueto, Jean Charlot, Roberto Montenegro, Guillermo Ruiz, Javier Guerrero y Máximo Pacheco. También se unieron dos músicos, Manuel M. Ponce, el autor de “Estrellita,” y Silvestre Revueltas.
Ver manifiesto estridentista de 1921 en:
http://cinosargo.bligoo.com/content/view/437521/Manuel-Maples-Arce-Manifiesto-estridentista-1921.html#content-top

Marcel Duchamp

(Blainville, Francia, 1887-Neuilly, id., 1968) Artista francés nacionalizado estadounidense. El más joven de seis hermanos, cuatro de los cuales seguirían así mismo la carrera artística (de ellos fueron especialmente notorios los dos mayores, Jacques y Raymond), recaló en París a la edad de diecisiete años. En su faceta como pintor, que hubo de simultanear con el trabajo de caricaturista, pasó rápidamente por todas las tendencias artísticas en boga –impresionismo, postimpresionismo, fauvismo, cubismo– sin comprometerse con ninguna; este afán experimentador e inquieto iba a ser una de las constantes de su fecunda trayectoria.
En 1912 presentó su Desnudo bajando una escalera, n.º 2, obra personalísima en la que aunó elementos cubistas con futuristas y sus propias inquietudes sobre la representación del movimiento. La pintura fue rechazada por el Salón de los Independientes y tuvo que esperar un año para ser expuesta, esta vez en el Armory Show de Nueva York, donde fue recibida con tanto entusiasmo como sorpresa.
Tras realizar unos pocos cuadros más, abandonó la pintura, en lo que iba a ser un giro permanente en su trayectoria. En 1913 inició los estudios preparatorios para la obra El gran vidrio, o la novia desnudada por sus pretendientes, una especie de síntesis entre pintura y escultura de radical originalidad. Durante esa misma época realizó sus primeros ready-made, esto es, objetos cualesquiera sometidos a muy escasa y en ocasiones nula alteración material, elevados a la categoría de arte por la mera voluntad del artista. Uno de ellos, un orinal firmado con seudónimo que tituló Fuente, constituye uno de los iconos más significativos del arte del siglo XX.

Arte conceptual

El arte conceptual, también conocido como idea art, es un movimiento artístico en el que las ideas dentro de una obra son un elemento más importante que el objeto o el sentido por el que la obra se creó. La idea de la obra prevalece sobre sus aspectos formales, y en muchos casos la idea es la obra en sí misma, quedando la resolución final de la obra como mero soporte.

El arte conceptual como movimiento emergió a la mitad de los años sesenta, en parte como una reacción en contra del formalismo que había sido articulado por el influyente crítico Clement Greenberg. Sin embargo, desde las décadas de 1910 y 1920 el trabajo del artista francés Marcel Duchamp (principal artista) serviría como precursor, con sus trabajos llamados ready-mades daría a los artistas conceptuales las primeras ideas de obras basadas en conceptos y realizadas con objetos de uso común.

Los precursores inmediatos del arte conceptual pueden buscarse en el resurgir de las Vanguardias tras la II Guerra mundial, en una compleja serie de intercambios culturales entre Europa. EEUU y Japón. Dos figuras destacan como manantiales de nuevas ideas: el artista francés e inventor del readymade Marcel Duchamp (que emigró a EEUU durante la I Guerra Mundial) y el compositor estadounidense practicante del budismo zen John Cage. Sin embargo, fue en los límites de la pintura, donde se concentraron las actividades vanguardistas. En EEUU, Robert Rauschenberg y Jasper Johns transformaron la pintura con objetos cotidianos y eventos fortuitos, y cuestionaron su situación privilegiada en tanto que objeto especial. En japón, las obras basadas en la performance del grupo Gutai ampliaron el informalismo y la action painting hasta transformarlos en actos rituales de agitación. En Francia e Italia, Yves Klein y Piero Manzoni respectivamente desarrollaron prácticas vanguardistas paralelas en las que realizaron el contenido ideal de la experiencia artística a partir de su concepción alternativa del significado metafísico del monocromo. En cada paso, la ampliación hasta la destrucción de la idea de la pintura alentó un interés por lo efímero y lo inmaterial que prefiguró el "arte conceptual" con conciencia de su propia identidad subsiguiente.

El arte conceptual emplea habitualmente materiales como la fotografía, mapas y vídeos. En ocasiones se reduce a un conjunto de instrucciones documentando cómo crear una obra, pero sin llegar a crearla realmente; la idea tras el arte es más importante que el artefacto en sí.

De este concepto han surgido formas artísticas como fluxus y el mail art.

Andy Warhol

ANDY WARHOL es uno de los personajes más influyentes en la pintura de la segunda mitad del siglo xx. Nació como Andrew Warhola en 1928. Ha habido durante bastante tiempo algo de confusión sobre dónde y cuándo nació, pero de acuerdo con sus dos hermanos mayores y de acta de nacimiento archivada en Pittsburg, parece que nació el 6 de agosto en esa ciudad americana. De lo que no hay duda es de la fecha de su fallecimiento: 6:31h de la mañana del 22 de febrero de 1987, domingo, en el New York Hospital después de una operación a la que babía sido sometido mediante un paro cardiopulmonar.

Andy es considerado el fundador y la figura más relevante del llamado Pop Art. Después de graduarse en el Carnegie Institute of Technology en 1949, se mudó a New York y rapidamente comenzó a ganar fama como artista comercial. El cambio de apellido de (Warhola a Warhol) se debió al siguiente error: la revista Glamour Magazine publicó un dibujo suyo titulado Success is a Jobz en agosto de 1949, pero por error su apellido apareció como Warhol, en lugar de Warhola. Desde entonces él decidió utilizar este nuevo apellido. Continuó haciendo anuncios publicitarios e ilustraciones y para 1955 ya era el pintor comercial más famoso de New York. En 1960 realiza su primera pintura basada en personajes de Comic (como Popeye o Superman). Comenzó, también, a ser el pionero en el proceso del desarrollo de fotografías de grand formato, utilizándolas después como base de sus pinturas al óleo o la tinta. Fué esta técnica la que le permitió producir una serie de imagines repetitivas, con pequeñas variaciones, que comenzó en 1962 con el famoso bote de sopas Campbell. Una curiosidad con respecto a sus pinturas y que poca gente conoce, es que, en sus creaciones tiene utilizado a parte de los componentes principales, cholate fundido a la taza, mermelada de frambuesa, e incluso semen humano.

A finales de los 60's comienza a hacer cine. En 1965 comienza a trabajar en una banda de rock llamada The Velvet Underground, formada por Lou Reedo y John Cale.

El 3 de junio de 1968, Valerie Solanis, una estrella de segunda, va a su estudio (Factory) y dispara a Warhol tres veces en el pecho. Sobrevive de milagro. Después de una larga recuperación el pintor continúa trabajando. Fundó la revista Interview en 1969, publicó el libro la filosofia de Andy Warhol: de la A a la Z. En 1983 visita España, Promocionando su obra.

Warhol fallece en 1987, momento hasta el que estuvo dedicado a la pintura. Se le podría calificar como el mejor artísta gráfico del Pop Art.

Las pinturas de Warhol no contienen elementos homoeróticos o que hablen claramente de su sexualidad. Esto fué algo que siempre evitó enfáticamente: renunció, pues, como muchos otros artistas (David Hockney, por ejemplo) a valerse de su vida y de sus sentimientos como tema; en cambio su obra como director de cine tuvo el efecto contrario, pues pusieron en entredicho la identidad sexual y el papel de cada sexo. Por ejemplo en Flesh nos cuenta la vida de un chapero que mantiene a su mujer e hijo con su trabajo sexual. Warhol fue siempre una persona muy reservada respecto a su vida. Evitaba la comunicación directa y la expresión de los sentimientos y emociones (como sus pinturas: planas y básicas). Su reacción hacia la gente, de desprecio por si mismo, seriedad calculada y una aparente tolerancia hacia todo, sugiere una defensa completa ante un universo hostil y una renuncia e incapacidad para comprometerse.

Pop art

Pop Art no es un término estilístico, sino un término genérico para fenómenos artísticos que tiene que ver de forma muy concreta con el estado de ánimo de una época. Establece asociaciones con los diferentes elementos superficiales de una sociedad.
Es un movimiento artístico, surgido al final de los años cincuenta en Inglaterra y caracterizado por el empleo de imágenes y temas tomados del mundo de la comunicación de masas y aplicados al arte de la pintura. El término fue utilizado por primera ver por el crítico británico Lawrence Alloway en 1962 para definir el arte que algunos jóvenes estaban haciendo, utilizando imágenes populares dentro del arte. Puede afirmarse que el pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura (pop), caracterizado por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. En este tipo de cultura también el arte deja de ser único y se convierte en un objeto más de consumo.
Los orígenes del Pop se encuentran en el dadaísmo y en su desprecio por el objeto, sin embargo el pop descarga de la obra toda la filosofía anti-arte de Dadá y encuentra una vía para construir a partir de imágenes tomadas de la vida cotidiana al igual que Duchamp había hecho con sus ready- mades. En cuanto a las técnicas también toma del dadaísmo el uso del collage y del fotomontaje.
Los temas, formas y los medios del Pop Art muestran los rasgos esenciales que asociamos con el ambiente cultural de los años sesenta y el estado de ánimo de la gente.

Tristan Tzara

Tristan Tzara es el seudónimo del poeta y ensayista Samuel Rosenstock, que nació en Moineşti, Bacau, Rumanía, el 16 de abril de 1896 y falleció en París, Francia, el 25 de diciembre de 1963.

Vivió casi toda su vida en Francia y fue uno de los autores más importantes del movimiento Dada, que fundó junto con Jean Arp y Hugo Ball, una corriente revolucionaria en literatura que anticipó las actitudes del surrealismo.

El movimiento dadaísta se originó en Zúrich, durante la I Guerra Mundial; Tzara escribió los primeros textos Dadá — La Première Aventure céleste de Monsieur Antipyrine ("La primera aventura celestial del señor Antipirina", 1916) y Vingt-cinq poèmes ("Veinticinco Poemas", 1918), así como los manifiestos del movimiento: Sept manifestes Dada ("Siete manifiestos Dadá", 1924). En París organizó, con sus compañeros de movimiento, espectáculos callejeros plenos de absurdismo para épater le bourgeois, "escandalizar la burguesía", y dio un poderoso impulso a la escena dadaísta. Hacia fines de 1929 se embarcó en el recién inaugurado movimiento surrealista de André Breton, Louis Aragon y otros autores; dedicó grandes esfuerzos a intentar conciliar las doctrinas filosóficas nihilistas y sofisticadas del movimiento con su propia afiliación marxista. Participó activamente en el desarrollo de los métodos de escritura automática, entre ellos el collage y el cadáver exquisito. De esa época data su libro L'Homme approximatif ("El hombre aproximado", 1931).

Durante la II Guerra Mundial se incorporó a la resistencia francesa; tras obtener la ciudadanía en 1947, se afilió al Partido Comunista Francés. Su militancia se extendería hasta 1956, cuando, tras la invasión de Hungría por las tropas soviéticas para apagar la revuelta popular, se apartó del partido. Su obra de la época es característicamente compleja, aunque más convencional que en su juventud; en ella destacan Parler seul ("Hablar solo", 1950) y La face intérieure ("El rostro interior", 1953).

Murió en diciembre de 1963 en París, y fue enterrado en el cementerio de Montparnasse.

Dadaísmo

El dadaísmo es un movimiento artístico que surgió en 1916 en el Cabaret Voltaire en Zúrich (Suiza). Fue propuesto por Hugo Ball, escritor de los primeros textos dadá; posteriormente, se unió Tristan Tzara que llegaría a ser el emblema del dadaísmo. Una característica fundamental del dadaísmo es la oposición al concepto de razón instaurada por el Positivismo. Dadá se caracterizó por rebelarse en contra de las convenciones literarias y artísticas y, especialmente, por burlarse del artista burgués y de su arte.

Para los miembros de Dadá, el dadaísmo era un modus vivendi que hacían presente al otro a través los gestos y actos Dadá: acciones que pretendían provocar a través de la expresión de la negación dadaísta. Al cuestionar y retar el canon literario y artístico, Dadá crea una especie de anti-arte, es una provocación abierta al orden establecido.

A pesar de no ser una parte extensamente conocida de la obra de Dadá, la influencia del dadaísmo se extiende a la música.

0.- Antecedentes del arte de los nuevos medios

Estridentismo
Dadaismo
Televisión Mexicana
Pop art
Arte conceptual